2022 год
Куратор - Павел Пепперштейн
Выставка «Мифогенная любовь каст»
29 апреля - 30 июня
Павел Пепперштейн — один из ключевых художников и писателей московского концептуализма, создатель мифологических миров, в которых политика, фантазия и личные видения образуют единый поэтический язык. Его практика соединяет живопись, литературу, комикс, музыку и перформанс, а сам он давно стал фигурой-медиатором между искусством, философией и культурным мифотворчеством.
Проект под кураторством Павла Пепперштейна представляет собой масштабную серию визуальных интерпретаций одноимённого постмодернистского романа, написанного в духе московского концептуализма.
Центральным событием стала лимитированная републикация книги в формате комикса — редкое переосмысление текста и оформления, в котором каждая глава стала самостоятельным художественным высказыванием.
Для создания комикса были привлечены более тридцати современных художников, среди которых Артём Безменов, Екатерина Волжина, Ринат Волигамси, Руслан Гончар, Евгений Митта, Аркадий Насонов, Таня Пёникер, Владимир Перкин, Виктор Пивоваров, Ассоль Сас, У. Цвиркун, Кирилл Чёлушкин, а также сами авторы романа — Сергей Ануфриев и Павел Пепперштейн, выступившие в роли комиксистов.
Каждый участник получил одну главу произведения для самостоятельного визуального прочтения. В результате главы комикса разительно отличаются друг от друга по стилистике, технике и интонации: от графических минималистичных структур до экспрессивных живописных фрагментов, от сюрреалистических фантазий до тонкой концептуальной иронии. Такое разнообразие создаёт эффект «мифологического калейдоскопа», где сюжет романа проявляется как цепочка автономных миров, связанных общей идеей, но не подчинённых единообразию.
Выставка раскрывает роман как живой организм, существующий на пересечении литературы, визуального искусства и коллективного воображения. Она превращает чтение в путешествие по множеству художественных языков, где миф, любовь, касты и альтернативные реальности обретают новые формы, расширяя границы восприятия и подчёркивая многослойность оригинального текста.
29 апреля - 30 июня
Павел Пепперштейн — один из ключевых художников и писателей московского концептуализма, создатель мифологических миров, в которых политика, фантазия и личные видения образуют единый поэтический язык. Его практика соединяет живопись, литературу, комикс, музыку и перформанс, а сам он давно стал фигурой-медиатором между искусством, философией и культурным мифотворчеством.
Проект под кураторством Павла Пепперштейна представляет собой масштабную серию визуальных интерпретаций одноимённого постмодернистского романа, написанного в духе московского концептуализма.
Центральным событием стала лимитированная републикация книги в формате комикса — редкое переосмысление текста и оформления, в котором каждая глава стала самостоятельным художественным высказыванием.
Для создания комикса были привлечены более тридцати современных художников, среди которых Артём Безменов, Екатерина Волжина, Ринат Волигамси, Руслан Гончар, Евгений Митта, Аркадий Насонов, Таня Пёникер, Владимир Перкин, Виктор Пивоваров, Ассоль Сас, У. Цвиркун, Кирилл Чёлушкин, а также сами авторы романа — Сергей Ануфриев и Павел Пепперштейн, выступившие в роли комиксистов.
Каждый участник получил одну главу произведения для самостоятельного визуального прочтения. В результате главы комикса разительно отличаются друг от друга по стилистике, технике и интонации: от графических минималистичных структур до экспрессивных живописных фрагментов, от сюрреалистических фантазий до тонкой концептуальной иронии. Такое разнообразие создаёт эффект «мифологического калейдоскопа», где сюжет романа проявляется как цепочка автономных миров, связанных общей идеей, но не подчинённых единообразию.
Выставка раскрывает роман как живой организм, существующий на пересечении литературы, визуального искусства и коллективного воображения. Она превращает чтение в путешествие по множеству художественных языков, где миф, любовь, касты и альтернативные реальности обретают новые формы, расширяя границы восприятия и подчёркивая многослойность оригинального текста.
Куратор - Влада Закс
Выставка Александра Крылова «С И Л А»
15 июля - 31 августа
Александр Крылов — новая яркая фигура на карте российского современного искусства. Масштабная персональная выставка «С И Л А» — проект, который задаёт фундаментальные вопросы о природе человеческой энергии.
Идея выставки родилась из слова «Śīla» на санскрите, созвучного со словом «сила» в русском языке. В древнем языке одним из значений этого слова является «нравственность», однако большинство иных значений ныне утеряно: мы можем только гадать и пребывать в вечном индивидуальном и коллективном поиске ответа на вопрос, в чем же кроется настоящая С И Л А.
Что же такое сила? В чем ее источник и каковы ее проявления? И самое главное — как ее понимает современный человек?
Ответы формируются внутри тщательно выстроенного художественного пространства, напоминающего многослойную оптическую систему. Экспозиция разворачивается как калейдоскоп, в котором соседствуют живопись, монументальные инсталляции, работа с металлом, керамические объекты и авторская анимация. Каждая работа — самостоятельная модель силы: то материальной, то метафорической, то прорывающей, то скрытой в зыбких состояниях.
Александру всего 23 года. Родившийся и выросший в Москве, он получил образование в сфере дизайна, которое считает идеальной базой для современного художника — дисциплиной, позволяющей соединять точность формы и свободу высказывания. Несмотря на юный возраст, его работы уже демонстрировались в галереях Москвы, Санкт-Петербурга и Нью-Йорка, а его имя всё чаще звучит в профессиональной среде.
Творческий метод Крылова основан на сочетании прикладных ремёсел и цифровых технологий. Он не стремится следовать моде и дистанцируется от поверхностных тенденций — например, от гиперпродукции NFT — предпочитая осязаемые материалы: живопись, резьбу по дереву, ручной труд как форму медитации. При этом художник активно работает с визуальной культурой видеоигр: он не только вдохновляется их эстетикой, но и участвовал в разработке игр, а сейчас преподаёт игровой концепт-арт.
«С И Л А» — это выставка о внутреннем импульсе, который движет человеком, созидателем, игроком, наблюдателем. О том, как сила может трансформироваться, концентрироваться и рассредотачиваться, становясь одновременно личной и универсальной.
Проект Александра Крылова превращает пространство галереи в поле напряжений и энергий, где зритель ощущает силу как переживание — прямое, чувственное, многомерное.
15 июля - 31 августа
Александр Крылов — новая яркая фигура на карте российского современного искусства. Масштабная персональная выставка «С И Л А» — проект, который задаёт фундаментальные вопросы о природе человеческой энергии.
Идея выставки родилась из слова «Śīla» на санскрите, созвучного со словом «сила» в русском языке. В древнем языке одним из значений этого слова является «нравственность», однако большинство иных значений ныне утеряно: мы можем только гадать и пребывать в вечном индивидуальном и коллективном поиске ответа на вопрос, в чем же кроется настоящая С И Л А.
Что же такое сила? В чем ее источник и каковы ее проявления? И самое главное — как ее понимает современный человек?
Ответы формируются внутри тщательно выстроенного художественного пространства, напоминающего многослойную оптическую систему. Экспозиция разворачивается как калейдоскоп, в котором соседствуют живопись, монументальные инсталляции, работа с металлом, керамические объекты и авторская анимация. Каждая работа — самостоятельная модель силы: то материальной, то метафорической, то прорывающей, то скрытой в зыбких состояниях.
Александру всего 23 года. Родившийся и выросший в Москве, он получил образование в сфере дизайна, которое считает идеальной базой для современного художника — дисциплиной, позволяющей соединять точность формы и свободу высказывания. Несмотря на юный возраст, его работы уже демонстрировались в галереях Москвы, Санкт-Петербурга и Нью-Йорка, а его имя всё чаще звучит в профессиональной среде.
Творческий метод Крылова основан на сочетании прикладных ремёсел и цифровых технологий. Он не стремится следовать моде и дистанцируется от поверхностных тенденций — например, от гиперпродукции NFT — предпочитая осязаемые материалы: живопись, резьбу по дереву, ручной труд как форму медитации. При этом художник активно работает с визуальной культурой видеоигр: он не только вдохновляется их эстетикой, но и участвовал в разработке игр, а сейчас преподаёт игровой концепт-арт.
«С И Л А» — это выставка о внутреннем импульсе, который движет человеком, созидателем, игроком, наблюдателем. О том, как сила может трансформироваться, концентрироваться и рассредотачиваться, становясь одновременно личной и универсальной.
Проект Александра Крылова превращает пространство галереи в поле напряжений и энергий, где зритель ощущает силу как переживание — прямое, чувственное, многомерное.
Куратор - Влада Закс
Выставка Виталия Барабанова «Сады Нарциссов»
9 сентября - 15 октября
Виталий Барабанов — российский художник тонкого визуального слуха и внутренней наблюдательности. Он родился в Загорске в 1986 году, окончил МГХПА им. Строганова (2006–2011), затем институт БАЗА (2014–2016). Сегодня живёт и работает в Москве, развивая собственный художественный метод, построенный на исследовании связи между внутренним состоянием человека и изменчивой, динамичной средой, в которой он существует.
История искусства знает множество мастеров, обращавшихся к образу сада: Моне, Матисс, Кандинский, Клее — каждый видел в нём своё пространство для созерцания и эксперимента. Хрестоматийна история о том, как Моне, работая над осенними деревьями, прикреплял опавшие листья обратно, чтобы сохранить желаемую композицию. Его сад — попытка контролировать природу.
Метод Виталия Барабанова устроен иначе. Его «сады» — это пространство, где непостоянство природы и фрагментарность человеческого воображения не подавляются, а принимаются как естественное состояние мира. Художник не фиксирует ландшафт, а собирает его из памяти, интуиции и личных ощущений, превращая в своеобразный автопортрет. Пейзаж перестаёт быть внешней сценой — он становится зеркалом психики, внутренним скоплением образов, которые вспыхивают, исчезают и снова складываются в целостность.
На выставке будут представлены пейзажи — классический медиум, который у Барабанова приобретает неожиданную глубину. Для художника это способ выразить «внутреннюю природу человека», а для зрителя — возможность вступить в диалог с автором и одновременно с собственным чувственным опытом.
«„Сад“ — это некий конструкт из разных фрагментов пейзажей, соединённых в идеальную природу, которая передаёт моё состояние в процессе создания», — говорит Барабанов.
«Сады Нарциссов» — это не ботанический сюжет и не пейзаж в привычном смысле. Это путешествие внутрь художественного сознания, которое через природу рассказывает о человеке — хрупком, изменчивом и прекрасном в своём стремлении к самопознанию.
9 сентября - 15 октября
Виталий Барабанов — российский художник тонкого визуального слуха и внутренней наблюдательности. Он родился в Загорске в 1986 году, окончил МГХПА им. Строганова (2006–2011), затем институт БАЗА (2014–2016). Сегодня живёт и работает в Москве, развивая собственный художественный метод, построенный на исследовании связи между внутренним состоянием человека и изменчивой, динамичной средой, в которой он существует.
История искусства знает множество мастеров, обращавшихся к образу сада: Моне, Матисс, Кандинский, Клее — каждый видел в нём своё пространство для созерцания и эксперимента. Хрестоматийна история о том, как Моне, работая над осенними деревьями, прикреплял опавшие листья обратно, чтобы сохранить желаемую композицию. Его сад — попытка контролировать природу.
Метод Виталия Барабанова устроен иначе. Его «сады» — это пространство, где непостоянство природы и фрагментарность человеческого воображения не подавляются, а принимаются как естественное состояние мира. Художник не фиксирует ландшафт, а собирает его из памяти, интуиции и личных ощущений, превращая в своеобразный автопортрет. Пейзаж перестаёт быть внешней сценой — он становится зеркалом психики, внутренним скоплением образов, которые вспыхивают, исчезают и снова складываются в целостность.
На выставке будут представлены пейзажи — классический медиум, который у Барабанова приобретает неожиданную глубину. Для художника это способ выразить «внутреннюю природу человека», а для зрителя — возможность вступить в диалог с автором и одновременно с собственным чувственным опытом.
«„Сад“ — это некий конструкт из разных фрагментов пейзажей, соединённых в идеальную природу, которая передаёт моё состояние в процессе создания», — говорит Барабанов.
«Сады Нарциссов» — это не ботанический сюжет и не пейзаж в привычном смысле. Это путешествие внутрь художественного сознания, которое через природу рассказывает о человеке — хрупком, изменчивом и прекрасном в своём стремлении к самопознанию.
Куратор - Влада Закс
Выставка Рината Мустафина «Зенит»
28 октября - 20 ноября
Персональная выставка Рината Мустафина «Зенит» — первый крупный сольный проект художника, чьё имя уже известно по сотрудничествам с музыкальными фестивалями и галереей в особняке WIP. Мустафин — представитель московского андеграундного искусства, экспериментатор, работающий на стыке живописи, графики, цифрового и видеоарта, а также перформанса, в том числе с использованием мэппинга — технологии проекции на реальные объекты с учётом их геометрии.
Работы на выставке собраны в тематические серии, объединённые единой идеей: зритель поднимается над живописным полем так же, как художник — воспринимая изображение сверху, из точки зенита.
Мустафин обращается к образам земной поверхности, увиденной с большой высоты. Его референсы — снимки Google-карт: планеты, крупных городов, отдельных улиц, дворов, спортивных площадок. В этих случайных фрагментах — целая жизнь: маршруты, следы, движения, конфликты, архитектурная логика и человеческая случайность. Эта вариативность городских сюжетов становится мощной питательной средой для художественных решений.
Контраст между абстрактной формой и точной детализацией, между строгой геометрией и постоянной динамикой — ключевой элемент его визуального языка. То, что фиксирует беспристрастный робот, Мустафин превращает в живописный и графический материал: холодные «слепки» Google-карт обретают у него человеческую интонацию, эмоцию, энергию. Это трансформация постфутуристических механистичных видов в чувственные, многослойные образы.
Выставка «Зенит» — это попытка увидеть мир так, будто наблюдаешь его с высоты спутника. Уникальный визуальный эксперимент, в котором дистанция превращается в способ понимания, а взгляд сверху — в новую форму интимного восприятия пространства.
28 октября - 20 ноября
Персональная выставка Рината Мустафина «Зенит» — первый крупный сольный проект художника, чьё имя уже известно по сотрудничествам с музыкальными фестивалями и галереей в особняке WIP. Мустафин — представитель московского андеграундного искусства, экспериментатор, работающий на стыке живописи, графики, цифрового и видеоарта, а также перформанса, в том числе с использованием мэппинга — технологии проекции на реальные объекты с учётом их геометрии.
Работы на выставке собраны в тематические серии, объединённые единой идеей: зритель поднимается над живописным полем так же, как художник — воспринимая изображение сверху, из точки зенита.
Мустафин обращается к образам земной поверхности, увиденной с большой высоты. Его референсы — снимки Google-карт: планеты, крупных городов, отдельных улиц, дворов, спортивных площадок. В этих случайных фрагментах — целая жизнь: маршруты, следы, движения, конфликты, архитектурная логика и человеческая случайность. Эта вариативность городских сюжетов становится мощной питательной средой для художественных решений.
Контраст между абстрактной формой и точной детализацией, между строгой геометрией и постоянной динамикой — ключевой элемент его визуального языка. То, что фиксирует беспристрастный робот, Мустафин превращает в живописный и графический материал: холодные «слепки» Google-карт обретают у него человеческую интонацию, эмоцию, энергию. Это трансформация постфутуристических механистичных видов в чувственные, многослойные образы.
Выставка «Зенит» — это попытка увидеть мир так, будто наблюдаешь его с высоты спутника. Уникальный визуальный эксперимент, в котором дистанция превращается в способ понимания, а взгляд сверху — в новую форму интимного восприятия пространства.
Выставка выпускников Universal University
Поп-ап выставка «Как я стал Хаосом» совместно с Universal University
24 ноября - 7 декабря
Результатом осеннего опен-колла среди студентов и выпускников Universal University стала выставка «Как я стал Хаосом», где более пятнадцати молодых авторов представят свои работы в широком диапазоне медиумов — от живописи и графики до инсталляций и AR-практик.
На первый взгляд многие произведения кажутся яркими, игривыми и даже ироничными, однако за этой визуальной лёгкостью скрывается тревожность и ощущение утраты опоры. Мир стремительно меняется и рушит привычные социальные стратегии, оставляя человека один на один с бесформенным, зыбким пространством хаоса. Именно к этому ощущению и обращаются художники, пытаясь зафиксировать непостоянство реальности и собственное состояние внутри неё.
Некоторые участники ищут ответы в воспоминаниях: складывают узнаваемые паттерны детства в новые узоры или воссоздают полотно семейной памяти по рассказам бабушки. Другие работают с современными технологиями — предлагают зрителю через AR найти баланс между личным и социальным или буквально залезть внутрь гигантской головы, устроенной как театральная сцена, чтобы разложить по полочкам то, что не умещается в собственной.
Сквозной темой выставки становится стремление оформить бесформенное, ухватить реальность за хвост и выработать новые ориентиры в стремительно меняющемся мире. И, учитывая высокий уровень молодых авторов и фундамент, который даёт Universal University, можно быть уверенным — эти ориентиры будут найдены.
«Как я стал Хаосом» — это выставка о растерянности и поиске, о попытках переосмыслить собственный опыт и найти новые точки опоры. Молодые художники Universal University приглашает зрителя войти в хаос — чтобы понять, из чего он состоит и как в нём выжить, не потеряв себя.
Universal University — это крупнейшая в России образовательная экосистема в сфере креативных индустрий. Университет объединяет школы дизайна, моды, кино, музыки, медиа, урбанистики и современного искусства, формируя пространство, где обучение становится практикой, а практика — способом профессионального роста. Здесь студенты работают с реальными задачами, развивают авторский язык, постоянно участвуют в опен-коллах, выставках и междисциплинарных проектах, — и уже на этапе обучения формируют собственную творческую карьеру.
24 ноября - 7 декабря
Результатом осеннего опен-колла среди студентов и выпускников Universal University стала выставка «Как я стал Хаосом», где более пятнадцати молодых авторов представят свои работы в широком диапазоне медиумов — от живописи и графики до инсталляций и AR-практик.
На первый взгляд многие произведения кажутся яркими, игривыми и даже ироничными, однако за этой визуальной лёгкостью скрывается тревожность и ощущение утраты опоры. Мир стремительно меняется и рушит привычные социальные стратегии, оставляя человека один на один с бесформенным, зыбким пространством хаоса. Именно к этому ощущению и обращаются художники, пытаясь зафиксировать непостоянство реальности и собственное состояние внутри неё.
Некоторые участники ищут ответы в воспоминаниях: складывают узнаваемые паттерны детства в новые узоры или воссоздают полотно семейной памяти по рассказам бабушки. Другие работают с современными технологиями — предлагают зрителю через AR найти баланс между личным и социальным или буквально залезть внутрь гигантской головы, устроенной как театральная сцена, чтобы разложить по полочкам то, что не умещается в собственной.
Сквозной темой выставки становится стремление оформить бесформенное, ухватить реальность за хвост и выработать новые ориентиры в стремительно меняющемся мире. И, учитывая высокий уровень молодых авторов и фундамент, который даёт Universal University, можно быть уверенным — эти ориентиры будут найдены.
«Как я стал Хаосом» — это выставка о растерянности и поиске, о попытках переосмыслить собственный опыт и найти новые точки опоры. Молодые художники Universal University приглашает зрителя войти в хаос — чтобы понять, из чего он состоит и как в нём выжить, не потеряв себя.
Universal University — это крупнейшая в России образовательная экосистема в сфере креативных индустрий. Университет объединяет школы дизайна, моды, кино, музыки, медиа, урбанистики и современного искусства, формируя пространство, где обучение становится практикой, а практика — способом профессионального роста. Здесь студенты работают с реальными задачами, развивают авторский язык, постоянно участвуют в опен-коллах, выставках и междисциплинарных проектах, — и уже на этапе обучения формируют собственную творческую карьеру.
Кураторы - Вова Перкин и Дима Маконда
Выставка «День Утописта» коллектива «Наша Утопия»
28 декабря - 5 февраля
Коллектив «Наша Утопия», основанный молодым художником Вовой Перкиным, учредил новую ежегодную традицию — праздник «День Утописта». Выставка в стенах галереи «Наковальня» под девизом «ВЕЧЕР УТРЕЧКА ДУРНЕЕ!» представляет более 40 работ восьми художников: живопись, графика и керамика.
Вова Перкин родился в Майкопе в 1995 году. Он является ключевой фигурой движения «Перкинизм», лидер и вдохновитель группы «Наша Утопия». Он начинал с граффити, а затем перешёл к живописи, мягкой скульптуре, перформансу и многим другим формам.
Его мир — яркий, гротескный, наивный, наполненный фантастическими персонажами и сюрреалистичными сюжетами.
Коллектив «Наша Утопия» (Notre Utopia) был основан Перкиным вместе с Димой Макондой и за годы вырос в большое творческое сообщество островков фантазии и оптимизма.
Работы на «Дне Утописта» посвящены цикличности времени и повседневным ритуалам — сну, чаепитию, покупкам, прогулкам, учебе, пению, автопортретам. Но все это происходит не в привычной реальности, а в психоделическом измерении: здесь чайник водит хоровод с кружками, козочки в рубашечках маршируют в хор, «Шатры Угара» организуют закупки, а мануфактура «Глазной Зной» выпускает студентов-растений, животных, роботов и иногда людей.
В этом мире природа сама меняет «наряды» под бесконечно ласковым взглядом вечного солнца — день сменяет ночь, утро снова переходит в вечер, и ритуалы повторяются, но никогда не остаются точно теми же.
Авторы выставки— не просто художники, а соратники Перкина: Андрей Бартенев, Юра Забсе, Дима Маконда, сам Вова Перкин, Дима Рае, Арчиликий, Лиза Плакса и Серёжа Фили.
«День Утописта» — не просто выставка, а праздник, который подводит итоги и одновременно запускает новую главу в творчестве группы. Это шанс погрузиться в мир Перкинизма, увидеть, как сочетается наивность и гротеск, юмор и философия. Как говорит сам Перкин: яркие истории, гротеск, безумие, но всё это рождает ощущение счастья.
28 декабря - 5 февраля
Коллектив «Наша Утопия», основанный молодым художником Вовой Перкиным, учредил новую ежегодную традицию — праздник «День Утописта». Выставка в стенах галереи «Наковальня» под девизом «ВЕЧЕР УТРЕЧКА ДУРНЕЕ!» представляет более 40 работ восьми художников: живопись, графика и керамика.
Вова Перкин родился в Майкопе в 1995 году. Он является ключевой фигурой движения «Перкинизм», лидер и вдохновитель группы «Наша Утопия». Он начинал с граффити, а затем перешёл к живописи, мягкой скульптуре, перформансу и многим другим формам.
Его мир — яркий, гротескный, наивный, наполненный фантастическими персонажами и сюрреалистичными сюжетами.
Коллектив «Наша Утопия» (Notre Utopia) был основан Перкиным вместе с Димой Макондой и за годы вырос в большое творческое сообщество островков фантазии и оптимизма.
Работы на «Дне Утописта» посвящены цикличности времени и повседневным ритуалам — сну, чаепитию, покупкам, прогулкам, учебе, пению, автопортретам. Но все это происходит не в привычной реальности, а в психоделическом измерении: здесь чайник водит хоровод с кружками, козочки в рубашечках маршируют в хор, «Шатры Угара» организуют закупки, а мануфактура «Глазной Зной» выпускает студентов-растений, животных, роботов и иногда людей.
В этом мире природа сама меняет «наряды» под бесконечно ласковым взглядом вечного солнца — день сменяет ночь, утро снова переходит в вечер, и ритуалы повторяются, но никогда не остаются точно теми же.
Авторы выставки— не просто художники, а соратники Перкина: Андрей Бартенев, Юра Забсе, Дима Маконда, сам Вова Перкин, Дима Рае, Арчиликий, Лиза Плакса и Серёжа Фили.
«День Утописта» — не просто выставка, а праздник, который подводит итоги и одновременно запускает новую главу в творчестве группы. Это шанс погрузиться в мир Перкинизма, увидеть, как сочетается наивность и гротеск, юмор и философия. Как говорит сам Перкин: яркие истории, гротеск, безумие, но всё это рождает ощущение счастья.
2023 год
Кураторы - Надя Октябрь и Мария Степечева
Групповая выставка «этой ночью»
15 февраля – 6 апреля
Выставка «этой ночью» построена как серия фрагментов из разных историй, где реальность плавно смешивается с грёзами. Это истории о снах, мистическом опыте, ночных тусовках, внутреннем волнении и невысказанных переживаниях.
Ночью чувства обостряются, воспоминания затапливают сознание — именно в самое тёмное время суток возникают самые яркие образы. Мы нарушаем рамки нормы, позволяем себе больше, и с нами происходит то, о чём потом рассказывают только друзьям.
То, что происходит после полуночи, зыбко:
танцы до рассвета, поцелуи на танцполе, уколы уязвимости, «плакать на техно», внезапные признания, обнажённость — и телесная, и эмоциональная, — смелые решения, импульсивные истории. Ночь вмещает всё и кажется безграничной, но наутро её события вспоминаются обрывочно, почти нереально, будто приснились.
Именно эти состояния становятся основой выставки. Каждый художник создаёт свою собственную «ночную историю», и вместе они складываются в многоактовый спектакль о твоей-моей-нашей жизни — о том, что происходит, когда город погружается во тьму и мы остаёмся наедине с собой (или друг с другом).
В экспозиции переплетаются разные художественные миры и ощущения:
• Людмила Баронина, Дарья Емельянова, Олеся Лавриненко, Саша Нестёркина создают сновиденческие, хрупкие пространства, где память и фантазия неотделимы друг от друга.
• Кирилл Бурыгин, Михаил Добровольский, Саша Кокачева обращаются к вихрю ночного города — бурному, мерцающему, непредсказуемому.
• Полина Майер, Настя Антипова, Маресий Иващенко исследуют чувство одиночества и уязвимости, которое накрывает нас после полуночи и делает ночь особенно честной.
Более чем на месяц пространство галереи превратится в сцену, где зритель проходит через собственный ночной маршрут — от сна к реальности, от реальности к видению.
15 февраля – 6 апреля
Выставка «этой ночью» построена как серия фрагментов из разных историй, где реальность плавно смешивается с грёзами. Это истории о снах, мистическом опыте, ночных тусовках, внутреннем волнении и невысказанных переживаниях.
Ночью чувства обостряются, воспоминания затапливают сознание — именно в самое тёмное время суток возникают самые яркие образы. Мы нарушаем рамки нормы, позволяем себе больше, и с нами происходит то, о чём потом рассказывают только друзьям.
То, что происходит после полуночи, зыбко:
танцы до рассвета, поцелуи на танцполе, уколы уязвимости, «плакать на техно», внезапные признания, обнажённость — и телесная, и эмоциональная, — смелые решения, импульсивные истории. Ночь вмещает всё и кажется безграничной, но наутро её события вспоминаются обрывочно, почти нереально, будто приснились.
Именно эти состояния становятся основой выставки. Каждый художник создаёт свою собственную «ночную историю», и вместе они складываются в многоактовый спектакль о твоей-моей-нашей жизни — о том, что происходит, когда город погружается во тьму и мы остаёмся наедине с собой (или друг с другом).
В экспозиции переплетаются разные художественные миры и ощущения:
• Людмила Баронина, Дарья Емельянова, Олеся Лавриненко, Саша Нестёркина создают сновиденческие, хрупкие пространства, где память и фантазия неотделимы друг от друга.
• Кирилл Бурыгин, Михаил Добровольский, Саша Кокачева обращаются к вихрю ночного города — бурному, мерцающему, непредсказуемому.
• Полина Майер, Настя Антипова, Маресий Иващенко исследуют чувство одиночества и уязвимости, которое накрывает нас после полуночи и делает ночь особенно честной.
Более чем на месяц пространство галереи превратится в сцену, где зритель проходит через собственный ночной маршрут — от сна к реальности, от реальности к видению.
Куратор - Влада Закс
Выставка «Одиссея Виктóра Забуги»
14 апреля – 31 мая
Виктор Забуга — уникальное явление российской художественной сцены. Будучи заметным представителем уличного искусства, Забуга часто появляется в арт-хронике и удивляет публику эпатажными перевоплощениями и перформансами.
Спектр его практик включает живопись, скульптуру, стрит-арт, татуировку, фотографию и музыку. Забуга работает с яркими цветами, выразительными образами и крупными холстами. Его работы показывали в Севкабель порту и Музее стрит-арта, а сам художник обрел популярность и попал в список «ТОП 50. Самые знаменитые люди Петербурга» по версии «Собака.ru».
На выставке будет представлено более 40 живописных работ последних двух лет, а также две инсталляции, которые вместе формируют эпическое повествование — путешествие внешнее и внутреннее. Через густо замешанные краски, грубые линии и контрастные цвета Забуга создаёт визуальный язык, в котором соседствуют наив и модерн, легкость грез и сила переживаний.
Лейтмотив экспозиции — одиссея: как героическое плавание, полное наслаждений и испытаний. Зритель вместе с художником отправляется в это путешествие: будет сталкиваться с чудными животными и птицами, попадать под власть нимфы Калипсо, преодолевать чудовищ и, наконец, найти себя и свою любовь.
Чтобы подчеркнуть субкультурный контекст творчества Забуги, на фасаде галереи появится стрит-арт, а в дни открытия будет работать настоящий кабинет татуировки, куда смогут заглянуть все желающие — настоящие энтузиасты тату-арта.
14 апреля – 31 мая
Виктор Забуга — уникальное явление российской художественной сцены. Будучи заметным представителем уличного искусства, Забуга часто появляется в арт-хронике и удивляет публику эпатажными перевоплощениями и перформансами.
Спектр его практик включает живопись, скульптуру, стрит-арт, татуировку, фотографию и музыку. Забуга работает с яркими цветами, выразительными образами и крупными холстами. Его работы показывали в Севкабель порту и Музее стрит-арта, а сам художник обрел популярность и попал в список «ТОП 50. Самые знаменитые люди Петербурга» по версии «Собака.ru».
На выставке будет представлено более 40 живописных работ последних двух лет, а также две инсталляции, которые вместе формируют эпическое повествование — путешествие внешнее и внутреннее. Через густо замешанные краски, грубые линии и контрастные цвета Забуга создаёт визуальный язык, в котором соседствуют наив и модерн, легкость грез и сила переживаний.
Лейтмотив экспозиции — одиссея: как героическое плавание, полное наслаждений и испытаний. Зритель вместе с художником отправляется в это путешествие: будет сталкиваться с чудными животными и птицами, попадать под власть нимфы Калипсо, преодолевать чудовищ и, наконец, найти себя и свою любовь.
Чтобы подчеркнуть субкультурный контекст творчества Забуги, на фасаде галереи появится стрит-арт, а в дни открытия будет работать настоящий кабинет татуировки, куда смогут заглянуть все желающие — настоящие энтузиасты тату-арта.
Куратор - Влада Закс
Выставка Антона и Артема Матвеевых «Мультфильмы для взрослых»
9 июня - 31 июля
Первая персональная выставка Антона и Артема Матвеевых «Мультфильмы для взрослых» представит живописные работы за два периода экспериментов с фигуративным высказыванием.
Братья-близнецы Матвеевы называют себя художниками низкого возрождения и приверженцами юмористического искусства, хотя подчас комичные на первый взгляд образы оборачиваются интимными размышлениями о современном мире и уходящей эпохе. Обращаясь к детству для поиска сюжетов своих картин, художники часто используют атрибуты взросления в девяностые: пиксельные компьютерные игры, Lego и, конечно, телевидение, где мультфильмы чередовались с передачами про маньяков.
За недолгий период сознательного совместного творчества братьям удалось создать свою узнаваемую вселенную, где каждая картина является стоп-кадром странных, потусторонних мультфильмов, а их сюжеты проявляются в символических образах и подсказках, предлагающих зрителю своеобразную игру. Мультфильмы как метафора детской рефлексии буквально прорываются и на сами полотна, образуя коллаж из строгой масляной живописи и нарочито упрощенных форм, и даже подпись на картинах Матвеевых представляет собой два мультяшных кристалла, будто заимствованных из аниме.
Антон и Артем Матвеевы создали узнаваемую художественную вселенную. Каждая картина — как стоп-кадр странных, потусторонних мультфильмов, где сюжеты проявляются через символические образы и подсказки, вовлекающие зрителя в игру. Мультфильмы становятся метафорой детской рефлексии, прорываясь на полотна и создавая коллаж из строгой масляной живописи и нарочито упрощённых форм. Даже подпись на картинах — два мультяшных кристалла, напоминающие аниме, становится элементом визуального нарратива.
Эстетика мультфильмов позволяет художникам через оптику детских переживаний осмыслять самые тёмные и неоднозначные стороны окружающей реальности.
Особое место занимает холст «Positive»: на первый взгляд идиллическая сцена с антропоморфными персонажами постепенно проявляет процесс деградации и утраты человеческого облика. Перед ними — сказочный лес, а сзади подкрадывается серая реальность. Единственная сохраняющая спокойствие и разум капибара становится символом устойчивости в этом потустороннем мире.
Сквозной темой выставки становится массовая культура, преломлённая через детское восприятие и сопровождающая нас на протяжении жизни в воспоминаниях. Художники обращаются к телевизионным впечатлениям 1990-х — странной смеси развлекательных шоу, тревожных новостей и криминальных сводок.
Узнаваемые образы сериалов тех лет, таких как «Альф», «Твин Пикс», «Санта-Барбара», перенесённые на холсты, создают ощущение потусторонности — словно нас посетили призраки далёкого прошлого, ожившие в эстетике мультфильмов для взрослых.
9 июня - 31 июля
Первая персональная выставка Антона и Артема Матвеевых «Мультфильмы для взрослых» представит живописные работы за два периода экспериментов с фигуративным высказыванием.
Братья-близнецы Матвеевы называют себя художниками низкого возрождения и приверженцами юмористического искусства, хотя подчас комичные на первый взгляд образы оборачиваются интимными размышлениями о современном мире и уходящей эпохе. Обращаясь к детству для поиска сюжетов своих картин, художники часто используют атрибуты взросления в девяностые: пиксельные компьютерные игры, Lego и, конечно, телевидение, где мультфильмы чередовались с передачами про маньяков.
За недолгий период сознательного совместного творчества братьям удалось создать свою узнаваемую вселенную, где каждая картина является стоп-кадром странных, потусторонних мультфильмов, а их сюжеты проявляются в символических образах и подсказках, предлагающих зрителю своеобразную игру. Мультфильмы как метафора детской рефлексии буквально прорываются и на сами полотна, образуя коллаж из строгой масляной живописи и нарочито упрощенных форм, и даже подпись на картинах Матвеевых представляет собой два мультяшных кристалла, будто заимствованных из аниме.
Антон и Артем Матвеевы создали узнаваемую художественную вселенную. Каждая картина — как стоп-кадр странных, потусторонних мультфильмов, где сюжеты проявляются через символические образы и подсказки, вовлекающие зрителя в игру. Мультфильмы становятся метафорой детской рефлексии, прорываясь на полотна и создавая коллаж из строгой масляной живописи и нарочито упрощённых форм. Даже подпись на картинах — два мультяшных кристалла, напоминающие аниме, становится элементом визуального нарратива.
Эстетика мультфильмов позволяет художникам через оптику детских переживаний осмыслять самые тёмные и неоднозначные стороны окружающей реальности.
Особое место занимает холст «Positive»: на первый взгляд идиллическая сцена с антропоморфными персонажами постепенно проявляет процесс деградации и утраты человеческого облика. Перед ними — сказочный лес, а сзади подкрадывается серая реальность. Единственная сохраняющая спокойствие и разум капибара становится символом устойчивости в этом потустороннем мире.
Сквозной темой выставки становится массовая культура, преломлённая через детское восприятие и сопровождающая нас на протяжении жизни в воспоминаниях. Художники обращаются к телевизионным впечатлениям 1990-х — странной смеси развлекательных шоу, тревожных новостей и криминальных сводок.
Узнаваемые образы сериалов тех лет, таких как «Альф», «Твин Пикс», «Санта-Барбара», перенесённые на холсты, создают ощущение потусторонности — словно нас посетили призраки далёкого прошлого, ожившие в эстетике мультфильмов для взрослых.
Куратор - Стас Ломакин
Групповая выставка «пустая трата времени»
11 августа - 24 сентября
Выставка посвящена диалогу изобразительного искусства и видеоигр. За несколько десятков лет видеоигры стали полноценной частью культуры, хотя некоторые до сих считают их пустой тратой времени. Тем не менее, уже очевидно, что это мощный инструмент для высказываний на самые разные темы. Отдельные игры сегодня вдохновляют художников так же, как это веками делают литературные сюжеты или исторические события.
В рамках экспозиции представят работы современных российских художников: все они выполнены под влиянием самого технологичного медиума — но при этом в далеких от цифрового искусства техниках.
Интерактивной частью выставки выступят сами игры. Мы познакомим с яркими образцами интерактивного искусства и позволим пережить уникальный игровой опыт, отсылающий к разным эпохам освоения видеоигр в российской повседневности. Среди них — выдающиеся образцы игрового дизайна: Death Stranding Хидео Кодзимы, Journey Дженовы Чена, Everything Дэвида О’Рейли, а также ряд знаковых игр для выяснения отношений.
Проект «Пустая трата времени» ранее был частично представлен на фестивале «Архстояние 2023»: ряд работ из будущей экспозиции выставлялся на так называемом «игровом сеновале».
Участники выставки: Дима Горбунов, Александр Крылов, Инна Крыжановская, Антон и Артем Матвеевы, Хассан Мустафин, Дарья Пасечник, Михаил Рубанков, Аня Фельдман.
11 августа - 24 сентября
Выставка посвящена диалогу изобразительного искусства и видеоигр. За несколько десятков лет видеоигры стали полноценной частью культуры, хотя некоторые до сих считают их пустой тратой времени. Тем не менее, уже очевидно, что это мощный инструмент для высказываний на самые разные темы. Отдельные игры сегодня вдохновляют художников так же, как это веками делают литературные сюжеты или исторические события.
В рамках экспозиции представят работы современных российских художников: все они выполнены под влиянием самого технологичного медиума — но при этом в далеких от цифрового искусства техниках.
Интерактивной частью выставки выступят сами игры. Мы познакомим с яркими образцами интерактивного искусства и позволим пережить уникальный игровой опыт, отсылающий к разным эпохам освоения видеоигр в российской повседневности. Среди них — выдающиеся образцы игрового дизайна: Death Stranding Хидео Кодзимы, Journey Дженовы Чена, Everything Дэвида О’Рейли, а также ряд знаковых игр для выяснения отношений.
Проект «Пустая трата времени» ранее был частично представлен на фестивале «Архстояние 2023»: ряд работ из будущей экспозиции выставлялся на так называемом «игровом сеновале».
Участники выставки: Дима Горбунов, Александр Крылов, Инна Крыжановская, Антон и Артем Матвеевы, Хассан Мустафин, Дарья Пасечник, Михаил Рубанков, Аня Фельдман.
Куратор - Влада Закс
Выставка группы «Россия» - “МГНОВЕНИЕ ОКА”
20 октября - 13 ноября
Группа «Россия» была основана в начале 1990-х под крышей знаменитого дома страхового общества «Россия» на Сретенском бульваре — месте, где формировалась неофициальная художественная жизнь Москвы. Художники продолжили традицию творческого пространства, связанного с Ильёй Кабаковым и его кругом единомышленников. Пропустив через свои мастерские младоконцептуалистов из «Инспекции Медицинской Герменевтики» и «Облачной Комиссии», группа «Россия» сохранила академический стиль живописи, одновременно впустив в него новейшие идеи и обратившись к истокам греческой и мировой философии относительно бытия искусства в мире.
В группу входят Иван Дмитриев, Егор Дмитриев, Людмила Блок и Дмитрий Луканин — художники, каждый из которых развивает собственный язык, объединённый общим стремлением создавать визуальные миры, где классическая живопись переплетается с философским и космогоническим осмыслением бытия.
Выставка «Мгновение Ока» посвящена одной картине группы «Россия» — «Вещь вещей». Эта работа создаёт собственную космогонию из живописных элементов, приглашая зрителя войти в мир, где материальное и духовное пересекаются через свет, тень и проекцию идеального на чувственный опыт.
По словам Егора Дмитриева:
«„Мгновение Ока“ — если между миром эйдоса и миром явлений существует какая-то связь, то осуществлять её может только свет. В мифе о пещере Платон вообразил современный кинотеатр. Благодаря световому лучу идеи, существующие как тени на пленке, создают иллюзию полноценной действительности. В античности полагали, что подобным образом устроен человеческий глаз. Мир феноменов возникает в результате этой проекции идеального на экран нашей чувственности. Воображение оперирует тенями, занимая переходную область между материально-телесным и духовным. Как ночные мотыльки роятся, захваченные светом китайского фонарика, так и вещи собираются в огромную кучу, отвечая на наш немой призыв».
Выставка предлагает зрителю не просто наблюдать картину, но вступить в её космогонический мир, где каждый элемент живописи становится частью философского размышления о существовании, чувственном восприятии и взаимодействии идеального с реальностью.
20 октября - 13 ноября
Группа «Россия» была основана в начале 1990-х под крышей знаменитого дома страхового общества «Россия» на Сретенском бульваре — месте, где формировалась неофициальная художественная жизнь Москвы. Художники продолжили традицию творческого пространства, связанного с Ильёй Кабаковым и его кругом единомышленников. Пропустив через свои мастерские младоконцептуалистов из «Инспекции Медицинской Герменевтики» и «Облачной Комиссии», группа «Россия» сохранила академический стиль живописи, одновременно впустив в него новейшие идеи и обратившись к истокам греческой и мировой философии относительно бытия искусства в мире.
В группу входят Иван Дмитриев, Егор Дмитриев, Людмила Блок и Дмитрий Луканин — художники, каждый из которых развивает собственный язык, объединённый общим стремлением создавать визуальные миры, где классическая живопись переплетается с философским и космогоническим осмыслением бытия.
Выставка «Мгновение Ока» посвящена одной картине группы «Россия» — «Вещь вещей». Эта работа создаёт собственную космогонию из живописных элементов, приглашая зрителя войти в мир, где материальное и духовное пересекаются через свет, тень и проекцию идеального на чувственный опыт.
По словам Егора Дмитриева:
«„Мгновение Ока“ — если между миром эйдоса и миром явлений существует какая-то связь, то осуществлять её может только свет. В мифе о пещере Платон вообразил современный кинотеатр. Благодаря световому лучу идеи, существующие как тени на пленке, создают иллюзию полноценной действительности. В античности полагали, что подобным образом устроен человеческий глаз. Мир феноменов возникает в результате этой проекции идеального на экран нашей чувственности. Воображение оперирует тенями, занимая переходную область между материально-телесным и духовным. Как ночные мотыльки роятся, захваченные светом китайского фонарика, так и вещи собираются в огромную кучу, отвечая на наш немой призыв».
Выставка предлагает зрителю не просто наблюдать картину, но вступить в её космогонический мир, где каждый элемент живописи становится частью философского размышления о существовании, чувственном восприятии и взаимодействии идеального с реальностью.
Куратор - Влада Закс
Групповая выставка «Парижская квартира»
22 декабря - 4 февраля
Экспозиция обыгрывает эстетику маленьких квартир, какие повсеместно можно встретить, например, в Париже, где коллекционеры и любители прекрасного завешивали стены работами так плотно, что небольшие пространства превращались в полноценные галереи, а их обладатели соревновались в продуманности своих коллекций, показывая их своим гостям и меняясь предметами искусства.
В галерее создаются декорации жилой квартиры, со множеством помещений и комнат, где демонстрируются предметы искусства, мебели, текстиля. Вся площадь «Наковальни» закручивается разнообразными траекториями исследования зрителем со всевозможными сценариями осмотра и сюрпризами.
Художники, принявшие участие в выставке: Алина Андрейчишена, Катя Афонина, Сергей Ануфриев, Ева Бардо, Алексей Булдаков, Дмитрий Булныгин, Борис Брагин, Кирилл Бурыгин, Кирилл Гатаван, Александр Гореликов, Егор Дмитриев, Дарья Емельянова, Света Ефремова, Александр Кривошапкин, Александр Крылов, Алексей Крендель, Арсений Кротков, Инна Крыжановская, Дарья Коновалова-Инфанте, Полина Майер, Влад Мальцев, Евгений Митта, Александра Михалкова, Ринат Мустафин, Аркадий Насонов, Митя и Маруся Нестеровы, Лера Нибиру, Вова Перкин, Ирина Петракова, Таня Пёникер, Иван Разумов, Михаил Рубанков, Серафима С., Маша Сомик, Матвей Сегал, Полина Серафимова, Ксюша Федя, Светлана Цепкало, Тамара Шевчук, Анна Юдакова, Серафима Сажина, Полина Уварова.
Проект реализован совместно с архбюро the structure.
22 декабря - 4 февраля
Экспозиция обыгрывает эстетику маленьких квартир, какие повсеместно можно встретить, например, в Париже, где коллекционеры и любители прекрасного завешивали стены работами так плотно, что небольшие пространства превращались в полноценные галереи, а их обладатели соревновались в продуманности своих коллекций, показывая их своим гостям и меняясь предметами искусства.
В галерее создаются декорации жилой квартиры, со множеством помещений и комнат, где демонстрируются предметы искусства, мебели, текстиля. Вся площадь «Наковальни» закручивается разнообразными траекториями исследования зрителем со всевозможными сценариями осмотра и сюрпризами.
Художники, принявшие участие в выставке: Алина Андрейчишена, Катя Афонина, Сергей Ануфриев, Ева Бардо, Алексей Булдаков, Дмитрий Булныгин, Борис Брагин, Кирилл Бурыгин, Кирилл Гатаван, Александр Гореликов, Егор Дмитриев, Дарья Емельянова, Света Ефремова, Александр Кривошапкин, Александр Крылов, Алексей Крендель, Арсений Кротков, Инна Крыжановская, Дарья Коновалова-Инфанте, Полина Майер, Влад Мальцев, Евгений Митта, Александра Михалкова, Ринат Мустафин, Аркадий Насонов, Митя и Маруся Нестеровы, Лера Нибиру, Вова Перкин, Ирина Петракова, Таня Пёникер, Иван Разумов, Михаил Рубанков, Серафима С., Маша Сомик, Матвей Сегал, Полина Серафимова, Ксюша Федя, Светлана Цепкало, Тамара Шевчук, Анна Юдакова, Серафима Сажина, Полина Уварова.
Проект реализован совместно с архбюро the structure.
